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Explorez le parcours inspirant de l’artiste Thu Tran, dont le dévouement inébranlable à son art met en lumière l’endurance, la passion et la résilience requises dans le monde de l’art contemporain et local.
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Tous les métiers exigent de l’endurance et de la persévérance. Mais qu’est-ce que j’entends par là ? C’est la résilience de se présenter chaque jour, de rester engagé envers son art malgré les défis, les doutes et le poids du monde.
Être artiste est une profession particulière — une profession où les besoins humains les plus fondamentaux sont souvent sacrifiés à la poursuite de quelque chose de plus grand, de quelque chose d’intangible. C’est un test de persévérance, un voyage qui exige à la fois discipline et abandon. Être artiste, c’est traverser le feu, permettre aux flammes d’affiner l’âme, de restaurer l’humilité et d’apporter un sentiment de paix plus profond.
Pourtant, le parcours artistique est une arme à double tranchant. Un artiste peut se retrouver complètement immergé dans son travail, consacrant chaque once de son être à la création, ou il peut perdre son chemin, distrait par les tentations matérielles. Ce fut une dure leçon que j’ai apprise de l’artiste Thu Tran. Je me souviens des mots d’un autre artiste, Luong Duy, qui m’a dit un jour: « Il est difficile de créer de l’art quand votre cœur n’est pas pur et que votre monde intérieur est en chaos. » Jusqu’où un artiste peut-il aller s’il ne peut pas faire taire le bruit autour de lui?
L’atelier de Thu Trần est dissimulé derrière un petit portail, au fond d’une ruelle étroite à Long Biên. Je ne savais pas à quoi m’attendre lors de ma première visite, mais l’espace m’a instantanément semblé ouvert et réfléchi — comme s’il s’était forgé lentement au fil du temps. Thu m’a accueillie sans hésitation. Nous avons tissé des liens facilement, le genre de conversation qui ne nécessite ni effort ni futilités. Elle m’a fait visiter son intérieur d’une manière authentique — pas comme un simple tour, mais comme si elle partageait quelque chose de personnel. Il n’y avait aucun besoin d’impressionner, et c’est peut-être ce qui m’a le plus marqué.
Son visage rayonnait de fierté alors qu’elle me montrait chaque tableau, racontant leur histoire. Nombre de ces pièces capturent l’essence de l’art local, puisant leur inspiration dans les traditions culturelles et les récits personnels.
« Cela doit être coûteux pour vous de créer ces œuvres, » ai-je fait remarquer.
« Eh bien, j’ai appris à être contente et ingénieuse avec ce que j’ai. Chaque fois que je gagne un revenu, je l’investis dans l’achat de matériaux pour créer. Tant que je peux me le permettre, je suis heureuse, » a-t-elle dit. « Mon but en créant de l’art est de servir. La notion de service n’est pas souvent abordée dans cette industrie parce que l’art est devenu si capitalisé et commercialisé qu’il a perdu son humanité. Ce qui m’attriste plus que de ne pas vendre mon art, c’est quand les gens ne l’apprécient pas. Avec tous les selfies et les vidéos, ils ne se soucient pas de ce qui est devant eux. Ils ne se soucient que de savoir s’ils ont l’air bien sur la photo. »
Elle a soupiré, puis a poursuivi : « Je vois des gens entrer dans les galeries et les expositions, prendre des photos sans s’arrêter pour contempler les coups de pinceau, les textures, les histoires cachées dans chaque pièce. Ils se précipitent, traitant l’œuvre d’art comme une toile de fond au lieu de quelque chose de vivant. Je me demande parfois, si personne ne voit vraiment mon art, existe-t-il même dans leur monde ? »
Elle a partagé : « J’ai réalisé que je réussissais bien dans l’art de l’installation parce que j’ai la capacité de gérer l’espace, ce qui n’est pas très courant dans l’art contemporain vietnamien. J’ai teint à la main toute cette soie moi-même — cette pièce à elle seule doit faire au moins 50 mètres de long. Mon amie s’agace parfois parce que cela lui prend tellement de temps pour la plier. »
Le parcours artistique de Thu Trần est tout sauf conventionnel. « Tout le monde me traite d’excentrique, vous savez ? C’est pourquoi je fais toujours des expositions individuelles — mon style ne correspond à celui de personne d’autre. Certaines personnes me traitent même de ‘vieille’ dans le milieu parce que j’ai commencé assez tard. Mais bon, Yayoi Kusama peint encore à 90 ans passés ! » a-t-elle dit en riant.
Son visage rayonnait de fierté en me montrant chaque tableau, racontant leur histoire. Nombre de ces pièces capturent l’essence de l’art local, puisant leur inspiration dans les traditions culturelles et les récits personnels.
« Cela doit être coûteux pour vous de créer ces œuvres, » ai-je fait remarquer.
« Eh bien, j’ai appris à me contenter de ce que j’ai. Chaque fois que je gagne un revenu, je l’investis dans l’achat de matériaux pour créer. Tant que je peux me le permettre, je suis heureuse, » a-t-elle dit. « Mon but en créant de l’art est de servir. La notion de service n’est pas souvent abordée dans cette industrie parce que l’art est devenu si capitalisé et commercialisé qu’il a perdu son humanité. Ce qui m’attriste plus que de ne pas vendre mon art, c’est quand les gens ne l’apprécient pas. Avec tous les selfies et les vidéos, ils ne se soucient pas de ce qui est devant eux. Ils ne se soucient que de savoir s’ils ont l’air bien sur la photo. »
Elle a soupiré, puis a poursuivi : « Je vois des gens entrer dans les galeries et les expositions, prendre des photos sans s’arrêter pour contempler les coups de pinceau, les textures, les histoires cachées dans chaque pièce. Ils se précipitent, traitant l’œuvre d’art comme une toile de fond au lieu de quelque chose de vivant. Je me demande parfois, si personne ne voit vraiment mon art, existe-t-il même dans leur monde ? »
« Quelqu’un vous a déjà dit d’arrêter ? » ai-je demandé.
« Oh oui, ma famille. Mon frère, un musicien travaillant pour le Parti, m’a dit un jour : ‘Vous avez assez peint. Pourquoi ne vous occupez-vous pas plus de notre mère et ne trouvez-vous pas un travail qui rapporte davantage ?’”
J’ai remarqué ses yeux brillants tandis qu’elle retenait ses larmes. “Mais vous savez,” a-t-elle secoué légèrement la tête, “je me suis juste détournée et je n’en ai pas tenu compte… Mon Dieu, je mourrais si j’arrêtais de peindre,” a-t-elle murmuré.
Alors qu’elle me menait à l’entrepôt à l’arrière, j’ai demandé : “Combien de tableaux avez-vous créés l’année dernière ?”
“Près de 200,” a-t-elle répondu, dévoilant ses toiles de soie. “Je dois donner des instructions spécifiques aux soyeux pour qu’ils les conçoivent exactement comme je le souhaite. C’est pourquoi ma toile de soie est plus épaisse que d’habitude. Il y a tout un monde derrière la soie. Sa qualité dépend du stade de vie des vers à soie — différents stades produisent différentes textures de soie. La meilleure soie est fabriquée lorsque les vers à soie sont jeunes, c’est ce que les gens utilisent pour les vêtements.”
Ses mains ont parcouru délicatement les bords d’une peinture sur soie, sa voix empreinte à la fois de tristesse et de résolution. « Je ne crée pas pour la gloire ou l’argent. Je crée parce que je le dois. Mon art est mon âme sur toile, et si une seule personne peut s’arrêter et ressentir quelque chose — vraiment ressentir — alors j’ai fait mon travail. »
Elle m’a regardé avec un petit sourire entendu. « Pensez-vous parfois à ce qui restera quand tout le reste s’estompera ? J’espère que longtemps après ma disparition, mes peintures continueront de murmurer des histoires à ceux qui veulent bien écouter. »
Ses mots sont restés dans mon esprit. Quelles obligations avons-nous — envers l’art ou envers les gens ?
En quittant la résidence de Thu Tran, je me suis retrouvé à réfléchir à cette question. Le monde moderne a rendu l’art plus accessible et pourtant, paradoxalement, moins apprécié. Nous sommes entourés d’images, mais peu prennent le temps de vraiment voir. J’ai pensé à l’endurance requise non seulement pour créer, mais pour persister — pour continuer à faire de l’art même lorsque la reconnaissance est rare et que les difficultés financières menacent.
C’est peut-être là l’essence même de l’artiste: continuer malgré le bruit, les doutes et les exigences de la société. Créer non pas pour la validation, mais parce que la création est une nécessité de l’âme. Le dévouement inébranlable de Thu Tran à son art m’a rappelé que le véritable art ne se résume pas à la technique ou à la reconnaissance — il s’agit de résilience, de porter le poids de l’expression dans un monde qui regarde souvent mais voit rarement.
Pour ceux qui cherchent sincèrement à soutenir des artistes comme Thu Tran, il ne s’agit pas seulement d’acheter de l’art. Qu’il s’agisse de visiter une galerie d’art en ligne, d’explorer des tableaux à vendre, ou de comprendre le processus derrière l’art original et l’art local, la véritable appréciation va au-delà de la possession — elle réside dans la capacité à voir l’âme de l’artiste à travers son œuvre.
Alors que je sortais dans la ville animée, ses mots résonnaient dans mon esprit. Le but de l’artiste n’est pas seulement de se servir ou de servir le marché, mais de servir l’art lui-même — de le maintenir vivant, honnête et humain. Et cela, peut-être, est la forme la plus élevée d’endurance.
