« Le travail de l’artiste est toujours d’approfondir le mystère. »

– Francis Bacon –

Qui est Francis Bacon ?

Francis Bacon (1909–1992) est largement reconnu comme l’une des figures les plus puissantes et originales de l’art moderne. Ses œuvres, caractérisées par leur émotion brute, la distorsion de la figure humaine et l’exploration intense de la psyché humaine, ont eu un impact durable sur le monde de l’art. Les peintures de Bacon évoquent souvent des sentiments de violence, d’aliénation, de sexualité et de traumatisme psychologique. Les thèmes de la rébellion et de la sexualité, en particulier dans le contexte de sa propre homosexualité, sont essentiels pour comprendre son art. De plus, le travail de Bacon s’inspire d’éléments du cri, non seulement comme un symbole d’angoisse existentielle, mais comme une représentation brute et physique de la souffrance et du désespoir.

La Jeunesse de Bacon : Rébellion et Répression

Francis Bacon est né à Dublin, en Irlande, dans une famille anglo-irlandaise stricte. Son père, Edward Bacon, était un officier retraité de l’armée britannique, connu pour sa rudesse et son autoritarisme. La mère de Bacon, Christina, était une présence plus bienveillante, bien que la dynamique familiale ait souvent été marquée par des tensions. La jeunesse de Bacon fut marquée par les conflits, tant à la maison que dans le monde qui l’entourait. Dès son plus jeune âge, il était conscient de son homosexualité, mais à cette époque, l’homosexualité était fortement stigmatisée et criminalisée. Cela a créé une atmosphère de peur, de honte et de répression qui hantera Bacon tout au long de sa vie.

La rébellion de Bacon contre sa famille et la société fut manifeste très tôt. Son père désapprouvait l’intérêt croissant de son fils pour l’art et, en particulier, son orientation sexuelle. La sexualité de Bacon fut une source de conflit intérieur intense, et sa rébellion ne fut pas seulement dirigée contre les valeurs sociétales qui le rejetaient, mais aussi contre les attentes que sa famille plaçait en lui. À l’âge de 16 ans, suite à une série de violents affrontements avec son père, Bacon quitta la maison et s’installa à Londres. Cette décision fut un acte de défi : Bacon cherchait à se libérer des contraintes de la famille et de la société et à vivre en accord avec son authentique soi, malgré les risques encourus.

Sexualité : Le Cœur du Combat Artistique de Bacon

Une grande partie des premières œuvres de Bacon reflète son tumulte intérieur et sa frustration sexuelle. Ses peintures, en particulier celles des années 1940 et 1950, représentent souvent des corps déformés, contorsionnés, enfermés dans des moments d’angoisse et de désespoir. Ces figures, fréquemment masculines, semblent piégées dans un état d’agonie psychologique qui fait écho à la propre douleur émotionnelle de Bacon. Ses œuvres les plus célèbres, telles que les Triptyques et la Série des Papes, présentent souvent des figures qui apparaissent déformées, fragmentées ou prises dans des moments de violence sexuelle et de désintégration.

La relation de Bacon avec George Dyer, ancien criminel et amant, a été déterminante dans l’exploration par l’artiste de la sexualité et de son lien avec la violence et le doute de soi. Dyer a servi à la fois d’amant et de muse pour nombre des œuvres les plus célèbres de Bacon, y compris Portrait de George Dyer dans un miroir (1968). Dans cette peinture, l’image de Dyer est reflétée dans un miroir, mais le reflet est déformé, évoquant un sentiment de fragmentation émotionnelle et psychologique. La figure semble piégée dans un moment de lutte existentielle intense, symbolisant peut-être le conflit entre l’identité et le désir.

Les œuvres de Bacon, à bien des égards, présentent une rébellion contre les représentations traditionnelles de la beauté, les normes sexuelles et les limites du corps humain. En déformant et en fragmentant la forme humaine, Bacon cherchait à représenter une vision plus véridique de l’expérience humaine, une vision marquée par la vulnérabilité, le désir et la violence. En ce sens, son art est à la fois une protestation contre les représentations conventionnelles de la figure humaine et une exploration des luttes psychologiques et émotionnelles inhérentes à l’expérience d’être un outsider dans une société répressive.

Le Cri : Échos de l’Expressionnisme Psychologique de Munch et Bacon

L’un des aspects les plus frappants de l’œuvre de Bacon est son utilisation du cri, à la fois comme expression littérale et métaphorique de l’angoisse, de la détresse émotionnelle et de l’horreur existentielle. La figure du cri – dont le meilleur exemple est l’iconique Le Cri (1893) d’Edvard Munch – représente le cri primal et viscéral d’un être humain submergé par la peur, l’isolement et le désespoir. Bacon, cependant, n’a pas simplement fait écho à l’imagerie de Munch ; il a réinterprété le cri comme un moyen d’explorer la fragmentation psychologique et la violence inhérente à la condition humaine.

Les œuvres de Bacon, en particulier sa série des Papes et ses triptyques, représentent souvent des figures dont la bouche est ouverte dans ce qui semble être un cri, ou des figures dont les visages sont tordus dans des expressions d’intense détresse psychologique. Cette figure hurlante n’est pas seulement un cri littéral à l’aide, mais une métaphore de la rupture interne de la psyché humaine. Ces figures sont piégées dans un état de violence psychique, comme si leurs corps eux-mêmes s’effondraient en réponse au traumatisme et à l’angoisse qu’ils ont endurés.

Dans Étude d’après le portrait du pape Innocent X de Velázquez (1953), par exemple, le Pape est représenté avec une expression agonisante, la bouche ouverte dans un cri silencieux. La figure est emprisonnée dans un espace déformé qui reflète les dynamiques de pouvoir en jeu dans l’image. Ici, Bacon utilise la figure du Pape – symbole de l’autorité religieuse et institutionnelle – pour explorer la violence psychologique qui accompagne la répression du soi. Le cri du Pape ne concerne pas seulement l’autorité religieuse ou politique, mais l’angoisse qui découle du fait d’être piégé dans un système qui déshumanise et opprime les individus.

L’art de Bacon est une rébellion non seulement contre sa famille et la société, mais aussi contre les conventions traditionnelles de l’art lui-même. Bacon a rejeté l’idée de la beauté idéalisée et de l’harmonie, choisissant plutôt de représenter le corps humain dans sa forme la plus brute, la plus grotesque et la plus vulnérable. Ses figures sont déformées, fragmentées et semblent souvent en état d’effondrement. Ce rejet de l’idée classique de la beauté fait partie de la rébellion plus large de Bacon contre les normes et les attentes de la société et du monde de l’art

Dans des œuvres telles que Trois études pour des figures au pied d’une crucifixion (1944), Bacon présente des figures qui sont non seulement déformées mais aussi piégées dans des états psychologiques violents. Ces figures semblent incarner la désintégration émotionnelle et psychologique qui est au cœur de la vision du monde de Bacon. Son rejet de la beauté est aussi un rejet de l’idée que le corps humain devrait être idéalisé ou dépeint comme quelque chose d’intouché par la souffrance. Au lieu de cela, l’art de Bacon suggère que la vérité de l’existence humaine réside dans sa vulnérabilité et sa fragilité.

La rébellion de Bacon s’est également étendue à son approche de la peinture elle-même. Il n’était pas intéressé par les lignes pures et la précision de la peinture classique. Au lieu de cela, il a utilisé un style audacieux et gestuel, appliquant souvent la peinture en couches épaisses et expressives.